Wassily Kandinsky

(Black) is like the silence of the body after death, the close of life.
- Wassily Kandinsky, 1911

Biografía
Nacido en 1866 en Moscú, en 1886 inicio en la universidad de esta ciudad los estudios de derecho y economía política. En 1893 paso por el examen jurídico de Estado y en 1896 le ofrecieron una cátedra en la facultad de derecho de Dorpat (Estland), que rechazo. En lugar de ello marcho a Munich, para estudiar allí pintura, primero en la escuela particular de arte de Antón Azbe y después en la academia Franz von Struck. Una década de intensa ocupación en cuestiones legales había ejercitado su capacidad de pensamiento abstracto de tal modo que en la época posterior abordo los problemas de las artes plásticas con un espíritu marcadamente analítico, penetrando en ello racionalmente y suministrando su reflexión sobre los mismos.
Desde 1896, y a lo largo de doce años, acumulo mucha experiencia y su pintura paso por varias fases estilísticas. Conocía bien el fauvismo y el cubismo.
Formo parte de la segunda etapa del movimiento expresionista, una de las primeras vanguardias artísticas del siglo XX cuya crítica principal fue la negación al racionalismo y la representación concreta. Su primer obra deliberadamente abstracta fue una acuarela pintada en el año 1910.
Su espíritu analítico se vio reflejado en su primer libro “sobre lo espiritual en el arte” publicado en 1912, en un intento por argumentar el trabajo pictórico a través de un método racional, donde por primera vez trato de investigar los fundamentos de la pintura, utilizando métodos científicos.
Cuando en 1914 estallo la primer guerra mundial, huyo de Munich y regreso a Moscú. A partir de 1918, se incorporo a la revolución soviética, ocupándose de organizar las escuelas de arte y los museos de la U.R.R.S., pero cuando se produjo la reacción cultural de los artistas en contra del gobierno leninninista, se auto exilia a Berlín por un año. En ese periodo Walter Gropius lo invita a incorporarse como profesor de la escuela de diseño de Weimar, Bauhaus.
Allí se desempeño como profesor del taller de pintura mural durante 11 años y también desarrollo un curso sobre diseño básico que dio conjuntamente con Klee.
En 1926 publica su segundo libro “punto y línea sobre el plano” donde su pensamiento sintético entre la teoría y la práctica, iniciado en sus publicaciones anteriores, se consolida. Esta concepción del arte llevo a Kandinsky al intento de consolidar una gramática universal de la forma que de cuenta de códigos únicos para el lenguaje visual y funcional para el arte.
Cuando en 1933 el gobierno nazi clausuro la Bauhaus se traslado a París, donde obtuvo la nacionalidad francesa y residió el resto de su vida.

Etapa expresionista
Kandinsky lideraba al grupo Der Blaue Reiter (el jinete azul), que propugno la idea de “arte total”, una búsqueda mas armónica a través de curvas y asociaciones cromáticas.
Esta “segunda ola” del expresionismo se considero como una reacción contraria a la vanguardia.
Su orientación estuvo dirigida hacia una pintura de contenido espiritualista y con tendencias abstractas.
Su idea esencial tenia en común con el arte primitivo la expresividad inherente al yo interior, cuya manifestación se da mediante la creación de formas que permiten dar cuenta de la significación de un vivir. De esta forma consideraban que el hombre expresa su vida en formas, y que cada forma artística es la expresión de su vida interior. El exterior de las forma artística es su interior. Es en este momento que Kandinsky crea dos clases diferentes de obras: las llamadas “compositions”, las que surgen de una naturaleza exterior; y las “improvisations”, una expresión, en gran parte inconsciente, espontánea de naturaleza espiritual.
Las llamadas “compositions” fueron la culminación de sus esfuerzos por crear una “pintura pura” cuyo poder emocional seria equivalente al de una composición musical, por el cual Kandinsky se sentía fascinado.
Veía estas obras como una declaración principal de sus ideas artísticas, con las que comparten varias características que expresan esta monumentalidad: el impresionante formato grande, la conciencia, la planificación deliberada de la composición, y la trascendencia de la representación de la imagen cada vez más abstraída. Representan la culminación de su visión del arte en un momento particular de su carrera.

Influencia de la teosofía
Fue una de las ciencias ocultas que contribuyo a la formación de las ideas de Kandinsky y que actuaron como catalizador en la creación del inconcreto (la pintura como arte puro): la exploración del mundo interior de lo espiritual.
Solo un lenguaje creativo abstracto liberado de lo figurativo y abarcador de todos los géneros artísticos puede dejar resurgir la unidad espiritual lesionada por el pensamiento materialista y positivista. Ese “interior” representa, según Kandinsky y la convicción de los teósofos, “la esencia verdadera del hombre” como “sonido interno”. Bajo la influencia de Rudolph Steiner, creador de la teosofía, Kandinsky considera que todo lo descrito como “cuadro”, como “luminoso” es al mismo tiempo sonoro. A cada color, a cada percepción de la luz corresponde un tono espiritual, una armonía, una melodía.
Kandinsky se dedico a los problemas sinesteticos de la pintura (paralelismo entre las percepciones ópticas y acústicas). Se trataba en realidad de la respuesta simultanea de esos dos sentidos en un mismo estimulo.

Bauhaus
Las incorporaciones de Kandinsky y Klee en el cuerpo docente de la Bauhaus, llevadas a cabo al final de la primera etapa, aportaron estudios y pedagogías basadas en un concepto de ideas racionalistas, casi científicas, que reemplazaron gradualmente a las nociones románticas de la auto expresión artística y motivaron cambios importantes en el programa y en los métodos de la enseñanza.
Kandinsky ingresa a la Bauhaus en 1922. Luego de haber dejado la dirección del Instituto para la cultura artística (INCHUCK) en Moscú bajo la influencia del constructivismo ruso, asume sus funciones de profesor del Taller de pintura mural tras la invitación de Walter Gropius. Su llamamiento se produjo en una época en que la etapa expresionista comenzó a decaer.
Los dos puntos más importantes de la pedagogía que Kandinsky se basaron en:

El concepto de Sínestesis:
El arte sinestético que el artista proponía como forma de expresión y establecimiento de formas, se basaba en la idea de un arte integral e integrado dentro del cual estuvieran a punto de caer las murallas que dividen a las artes por géneros, en cooperación de música, pintura y la danza. El color, el punto y la línea serían vistos como elementos puros y eternos que transmiten la esencia del movimiento, la musicalidad y la armonía que parte de un principio de necesidad interna. Color y forma son el aspecto externo de un contenido interior y que la armonía de los colores o las formas deben descansar sobre el principio del contacto adecuado del alma humana (la vibración espiritual).
Este principio se forma a partir de tres necesidades místicas:
a) Cada artista, tiene que expresar lo que le es propio a él ( elemento de la personalidad)
b) Cada artista tiene que expresar, lo que le es propio a la época (elemento del estilo)
c) Cada artista, como servidor del arte, tiene que expresar lo que le es propio del arte en general (elemento de lo artístico puro y eterno)
Intentaba comprobar la idea, en aquel entonces un tanto discutida, de que tanto en la pintura como en la música existía un fundamento matematico-cientifico, Según este postulado, en la pintura tenían que descifrarse matemáticamente todos los problemas pictóricos.

La búsqueda por un lenguaje visual que se establezca como gramática universal de la forma y el color:
Kandisnky propone en la Bauhaus establecer una gramática universal para la forma (pictórica) como lenguaje universal que permita la creación. Considera que, bajo el principio sinestetico de la forma intentar, un cierto orden de lo visual con un orden de lo discursivo se corresponda. Y que en lo “espiritual” la posibilidad de un “bajo continuo en la pintura” defina una “gramática pictórica” para lograr una composición creativa acorde a la expresión del artista y la época.
La búsqueda por parte de Kandinsky de un “bajo continuo” un léxico elemental y una gramática del medio plástico no respondía a un simple conocimientos formales, sino que se basaba en el propósito de dar expresión plástica a la idea de lo “artístico puro y eterno” concebido como objetivo.
Aunque en un primer momento de su pedagogía no se pudo decidir a utilizar formas producidas de manera lógicas, dentro de la Bauhaus ya era conciente de la necesidad de composiciones constructivas racionales.
Los trabajos realizados en el taller de pintura mural no están concebidos por la arquitectura sino que aparecen como aplicaciones de pintura “libre”.
Kandinsky se declara a favor del espacio libre experimental, el cual ofrecía el hueco pedagógico de la Bauhaus.
La enseñanza de Kandinsky en la Bauhaus se componía, en el marco del primer semestre (curso preliminar), de dos partes fundamentales:
1) Introducción a los elementos de forma abstracta
2) Curso de dibujo analítico.
En consecuencia con este dualismo el método pedagógico se basaba entre análisis y síntesis no como fin absoluto sino como “medios hacia la síntesis”.

Kandinsky y la Gestalt
Ya en su libro “Punto y línea sobre el plano” (1926) el pintor muestra un punto de vista integral que presenta sorprendentes paralelismos con la psicología de la forma o Gestalt, que por entonces se desarrolló en Alemania. Su crítica se basaba en un concepto científico antipositivista por no concebir la percepción de las formas como una combinación de unidades sensoriales atomistas, susceptibles de ser medidas y contadas
El campo de la percepción para este grupo es concebido como un todo, como un proceso global de percepción de formas más que la percepción de una suma de estímulos locales.
Cada campo se percibe, según esta teoría, en forma sintética e integral en donde la forma se da en el momento de percibir una figura y un fondo.
El principio sinéstetico de la forma y la importancia intercultural de las leyes de la forma, se ajustaba al pensamiento de Kandinsky.

Teoría de la forma y el color:
Para Kandinsky el color está siempre ligado a la forma o incluso la configura. No trataba de someter los colores y las formas en un análisis aislado sino más bien descubrir correspondencias entre ellos. La teoría de los colores y las formas presenta interés precisamente por las perspectivas de síntesis.
Los conceptos centrales en la elaboración de estas relaciones son los de “temperatura”, “movimiento” y “armonía”.
La teoría de las formas de Kandinsky abarca el estudio de las unidades de imagen elementales, punto y línea, y de las tres formas básicas que surgen de estos elementos: círculo, triángulo y cuadrado. El punto geométrico es invisible, inmaterial significa silencio “es el signo de la interrupción”. Desde el punto de vista pictórico es “el resultado del primer encuentro de la herramienta con la superficie material, con el plano”.
La línea se forma por la acción de fuerzas sobre el punto. Aquí se distinguen dos posibilidades fundamentales: la acción de la fuerza que lleva a lo recto, y la acción de dos fuerzas por la cual se pueden formas líneas curvas.
Una etapa significativa en la formulación de un “bajo continuo” de la pintura consiste en ordenar dentro de un sistema, lo más ajustado posible, las “temperaturas de las formas” y las “temperaturas de los colores” y desde aquí alcanzar, por lo menos correspondencias formas-colores válidas inmanentes al sistema.
El punto de partida para sus investigaciones sobre la relación entre plano y color, fueron las reflexiones sobre la línea y su equivalente cromático. Partió de la forma más sencilla de la línea: la recta. De las consideraciones de la línea se desarrollaron los equivalentes cromáticos de los planos básicos. Partió de 3 elementos básicos: el triangulo, el cuadrado y el circulo, a estas formas se adjudicaron los colores amarillo, rojo y azul.

Algunas obras:

Counterweights

Yellow, Red, Blue

Black And Violet

On White II

Composition VIII

Composition VI

Improvisation 7

Libros:

- Sobre lo espiritual en el arte (1912)
- Punto y linea sobre el plano (1926)